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三展并观,非常展览!

   展览名称:

“非常持续——环保启示录”

“非常建筑”

“阿拉巴·马德富纳"——瓦尔·肖基个展

  

   展期:

2017年9月3日至12月24日

展览介绍

“艺术为社会带来什么?”是多数人隐藏而不言喻的疑问,没有人规定艺术家必须隐恶扬善,或是保有文以载道的正统姿势,“视野”是思想高度的所在,句号却不是结论。而什么是艺术家时代的关注?又是人类跨国界、跨民族共同持续关注的话题?当代艺术思想体系本应讨论的存在问题,在一次次的展览中沦为幕后现场木作的大量资源浪费及长途运输的二氧化碳的增递。鉴于此,银川当代美术馆将于2017年9月3日至12月17日举办由银川当代美术馆艺术总监谢素贞策划的非常持续——环保启示录”和“非常建筑”展览,以及谢素贞策展、梅.艾尔迪布协同策展的“阿拉巴·马德富纳"——瓦尔·肖基个展(2017中阿博览会埃及主宾国特展)。环保、跨界、多元,三展并观,呈现一次非常展览,聆听艺术领域的价值观与“社会性”的共同价值体系碰撞时的探讨与对话。

此次展览包括中国、埃及、瑞士、韩国、日本、中国台湾及中国香港等国家和地区的34位(组)艺术家,他们以各自在其领域的文本观念,使用可回收利用的材料,创作包括摄影、绘画、装置、建筑等多种艺术形式的作品,关注于寻常物及废弃物的再使用、环境保护议题、及全球化带来的问题探讨,企图表达在全球化的巨变中,人类文明的反省姿态。

环保和艺术的紧密结合是一件颇有趣味、颇有价值的事情,可以进行很多的尝试, “非常持续——环保启示录”,此展通过讨论人类社会与自然环境的可持续性发展、艺术创作材料的再利用、建筑跨界的凝视等议题,尝试探讨在消费主义盛行下的今天,人类文明的多元化可能性。当代艺术的晦涩是一片有趣的领域,不仅仅是艺术家、艺评家,社会学家提出了已知领域的考验与探讨,也对我们如何看待这个社会不断学习的问号提出了挑战,特别是这个多变且多元化共存的环境里。全球化带来的文化霸权的“支配效应“(博览会及双年展)、”强加的合法性”(拍卖会拍卖纪录),这些问题是全球化以经济资本作为主体而延生到文化状态,市场史替代艺术史成为全球艺术界的特有现象。

相较于上个世纪帝国主义动机性明确,全球化时代各个区域缺乏明显动机,各个区域因为E化而相互联结,相互模仿,支离破碎,形成文化主体是主体自我选择的结果,因为多元,所以呈现多彩;追逐不同特色是全球化时代最深刻的特征。所有在地文化的国族文化,结合资本主义的市场及消费文化的传媒,所谓“现代性的带原者”,在“发展及开发”的政治经济的叙事下,社会环境与自然环境相对地产生种种客观变化及结构变化,这些变迁,由艺术家娓娓道来。表现方式不再局限于传统的材料,每种材质都取自于生活,理性与美学并存,开启了全球性对话。

“阿拉巴·马德富纳"——瓦尔·肖基个展,作为2017年中阿博览会埃及主宾国特展。银川肩负着中阿博览会的责任,是与伊斯兰文化交流的门户,而银川当代美术馆是唯一定位为中国与伊斯兰国家交流的当代美术馆,故举办此展。埃及艺术家瓦尔·肖基此次参展作品为大型装置,他的电影三部曲《AL ARABA AL MADFUNA》,通过独特的浸入式设计,将沙丘、石头融入展厅,让观众能够身临其境,更好地进入艺术家所讲述的故事中去。影片灵感源自肖基前往埃及AL ARABA AL MADFUNA一个村子的经历。在那里,他第一次亲眼看到民众挖地三尺以期寻到古代宝藏。影片体现了一种现代派戏剧和电影风格:一群身着传统服装、黏着假胡子、打扮得像成年人的男孩子,用大人的腔调在复述一位名叫穆罕默德·穆斯塔盖博(MOHAMED MUSTAGAB)的埃及作家所写的故事集《DAIROUT ALSHARIF》(1983)。

“非常建筑”则邀请了3组关注生态建筑的建筑师,台湾曾志伟老师的自然洋行建筑设计团将在美术馆中厅建造“象形茶屋”,通过回收银川当地鸡蛋包装纸盒溶解后重新打浆再泡制成的容器空间,希望借这种日常短暂存在的软性细微脆弱的纸纤材料思考建筑硬件空间形成的可能性,由此打破人的固定思维方式,凭借自然的原始感觉和无限想象去理解它;由郭旭原和黄惠美组合的大尺设计建筑师事务所带来的“川上”、“相望”两座茶亭,分别伫立于桥的两端,春夏秋冬四季四分将相遇于桥中央。入茶室者,皆需抬腿拾阶,而后小心翼翼开门弯腰曲膝,始乃入座饮茶。这样的姿态,是希望每位进入茶室的人,可以感觉自己肢体异于日常的动作,将身体五感藉由戒慎之缓慢,使之敏感于纤毫,而后入座时陡然放大,恍若存在于银川苍茫天地之间,与川流、天地成为一色、一味、一气。

日本的山下保博始终用一些核心议题引导自己与工作人员的思路,如反重力、环境与造价透明化等,此次在银川参展,他利用当地的土壤制造的环保砖来盖茶屋,旨在与当地人的生活环境相契合,他关怀的层面是从更大的社会架构着手,而非仅限于建筑。这3组团队不同程度上都利用了当地的材料,因地制宜建造茶屋,借由茶道的视觉、茶汤的味觉,茶室的触觉,茶香的嗅觉,情境的感觉——这五觉共存于方寸之间,展现另一种生活美学。世间的数学、戏剧、舞蹈、音乐的规律都可以编写成文本,而真正欣赏这些美的形式,我们必须借由视觉、听觉、思维、经验值去感受,文字无法取代。

关于环保议题的跨界与多元的展览,在西部是首次呈现。策展人谢素贞认为:即使这个世纪初,中国的崛起象征着人类与环境社会巨大的、未知的的社会议题,人还是城市中最珍贵的议题;而人与人类之间、人与城市之间、人与环境之间,才是知识分子的关注所在——生命的价值与社会责任的对话。如何以文化的灵动力唤起社会民众的良知及人文素养,展现民胞物与的胸怀,不仅仅倾斜于普世的价值观,是现今艺术家偶尔展现的小幽默。美术馆经营与观众互动需要怀抱着永续发展的规划及视野,展览讨论这样的文本,不是渲染主义,不是空谈理论,而是传达当代艺术家如何在新的世纪提出疑问及实验,进而反省人类自身与客观环境、心灵环境的自觉;唯有如此,文明的力量才得以延续其意义。

埃及“盗墓笔记”

瓦尔·肖基(WAEL SHAWKY)的创作根植于长期的调查研究,他通过电影、表演、讲故事等形式探讨国家、宗教和艺术身份性等命题。无论以哪种方式,肖基总是力求让当代文化和历史传统互为映照。格罗伊斯在《PARKETT》杂志第95期中撰文所说:“肖基的影像中,历史既作为叙事去描述真实人物的所欲所为,又是这些人被命运牵引、摆布的舞台。这实际上是一种非常当代的历史观——它在近期的时事中展现了其奇迹与宿命的一面。”

此次在银川当代美术馆展出的是肖基载誉无数的电影三部曲之《阿拉巴•马德富纳》(AL ARABA AL MADFUNA),影片的创作基于艺术家2004年走访埃及阿拉巴•马德富纳村的个人经历。在阿拉巴•马德富纳村,他遇到的当地村民在想办法寻找其祖先的秘密,并通过使用各种形而上的手段来挖掘古埃及法老王时期的器物。

 

八年之后,肖基决定通过拍摄电影三部曲来转述他的这次旅程。他从不同的埃及村落中雇用了大量儿童演员。在电影中,这些儿童背诵着埃及作家穆罕默德·穆斯塔格布(MOHAMED MUSTAJAB)的短篇小说,同时参与着看似与之毫不相干的仪式活动。

 

在第一部影片中,一群男孩讲述着《THE J-B-RS》这则令人不安的故事。该故事是关于一座小村庄,在蓄养了一批新的牲畜之后,经历了翻天覆地的变化。在第二部影片中,一组更庞大的演员阵容在探寻一座埃及废弃村落中的鸽棚遗迹时,背诵《骑士爱香水》( HORSEMEN ADORE PERFUMES)和《献祭》(THE OFFERING)两则故事中的片段。

最后一部影片拍摄于考古之城阿拜多斯(ABYDOS)中的塞提一世(SETI THE FIRST)神庙以及俄赛里斯(OSIRION)神庙——阿拜多斯就是如今的阿拉巴•马德富纳村落。影片中,当孩子们正在讲述穆斯塔格布的《向日葵》(SUNFLOWER)时,色彩和照明被进行了反转处理。故事中的向日葵是创造变化并接纳新观念的一种隐喻。该村落使这一植物的意义从毫无价值转变为唯一值钱的宝藏。

    肖基所制定的空间戏剧效果和怪异的氛围,应和着影片本身那迷惑的基调,使观者浸入预示的征兆、被诅咒村庄的传说以及世界末日般的幻象之中。

寻常材料,非常使用,环保艺术超前卫

2012年有个传说,世界末日到了。也不知其他人听到这个“噩耗”作何感想,艺术家沈少民说他摸到了上帝的声音,于是便有了一系列关于世界末日的创作,《我睡在我自己的身上》便是其中一组。

我睡在我自己的身上(局部)

沈少民

尺寸可变

2017

硅胶、工业盐

《我睡在我自己的身上》作品名称是取自艺术家沈少民的一首诗,作品由硅胶制成的动物雕塑,这些动物都是我们日常生活中所熟悉的,并或多或少被驯化过,如猫、狗、羊、兔和鸡等。在白色的盐堆上,每一只或每一种小动物都躺在自己掉落的羽毛或毛发上。粗盐象征了最终超越生命的永恒之物-即使我们这个世界的海洋干涸,盐都将作为生命存在的剩余物继续存在,它更像是永恒的时间。被剥去了毛发但仍有呼吸的动物与盐的直接接触会引起人们刺痛的感觉,艺术家希望它可以提醒我们不断地思考我们所处的生活环境。当人们走近观看时,留心观察就会发现动物们仍在呼吸(每个动物都会有一个内置的机械呼吸系统连接到一个箱子里,每只/每组小动物都连接到下面的箱子),这微弱的呼吸是否能引起人们的刺痛感,人类是否能更清醒的认识到我们试图控制和妨碍大自然所造成的危害?

用从它们自身脱落的羽毛建造自己的巢穴,它们躺卧在自己的皮毛或羽毛上面,仿佛它们的生命真实存在一样,感觉他们处于一种自救的状态,又好似是天使从天上坠落的一场献祭。沈少民想以这种悖论的雕塑形式,来引起人们对生存环境的反思。当我们身处的世界在一步步恶化的时候,我们人类仍然站立一旁,远远的围观着。在不久的将来,我们会看到很多动物的死亡和灭绝,而我们自己的末日是否也相距不远了?

2

 

参展艺术家吴高钟:1962年生于江苏省常州市,1990年毕业于南京艺术学院,现居北京。

 

提起“家”,很多人会想到“温暖”“美好”,“爱的港湾”之类的词汇。艺术家吴高钟呈现在我们眼前的“家”却是脆弱的,仿佛轻轻一碰就破碎,不复存在了。

吴高钟

家-沙发   家-花架  家-折叠椅  家-画框  家- 窗户  

家-书架   家-小桌  家-双人床  家-门 

124x6x146cm  2015  95x22x145cm  2015

73x73x53cm  2015   150x210x105cm 2011

35x35x109cm  2015  44x50x77cm  2015

97x4x78cm  2015   80x65x224cm  2015

400x360cm  2015

木头

这一系列作品艺术家是用刀把床、沙发和梯子等日常物件,砍成一种几乎轻轻一碰就会断裂的状态。这些“脆弱”的日常物件,作为吴高钟的语言,类似人的日常处境,或者人与日常环境关系的感觉——稍不留意就会分崩离析而危及人的生存甚至生命。这次的《家》延续了这个系列,但又多了一种类似写实物像的语言层:由这些与人生活最紧密并被砍成“脆弱不堪”的家具,摆放成“家”的环境,让人去想象,“家”作为人最基本的社会单元,经受的“伤害”——无论是社会给予的,还是琐屑岁月给予的,都让家变成如同吴高钟手下这种脆弱和不堪一击的视觉形象。

 

吴高钟的作品《家》,使用的是拆迁后遗留下的旧家具,从双人床、床头柜、折叠椅、沙发、屏风,到门、窗以及画框。除了保留这些家具原来的基本形态——即旧物的时代气息外,作者的语言在于给这些旧家具一种象“千刀万剐”般密集的刀痕——既显示“砍”的力度又有控制感觉的力度——“缓慢杀伤的刀痕”,吴高钟便创造了一种新的视觉形象或物体——一种令人“担惊受怕”的家具。观看这些家具,让观者有种不敢大声说话和大口呼吸的感觉,仿佛轻轻一口气就可以使这些家具断裂的感觉。吴高钟一贯善于把日常物品转化成一种具有“敏感而脆弱”的新形象,以表达自己被伤害的生存感觉。

3

 

参展艺术家方伟文:祖籍福建省金门县 ,1970年出生于文莱,1988年归台湾,是年就读于私立东海大学美术系。1993年毕业,并于台中大肚山上从事创作。现主要居住并工作于台南地区。

 

艺术家方伟文,善于采集、吸纳,并为手边的事物赋予新的生命。此次参展作品《借物岛》所有材质是艺术家利用此次布展所剩废弃物,或是艺术家自己去美术馆周围村庄里拾捡的生活和工业垃圾。他说:“展览的工作其实是修复的工作。每次的修复都不会回到原来的样子,都会有一个新的结构和概念。此次在银川的展览过程也是一个探索的过程,过程中的状态是一个很好的经历。”

借物岛

方伟文

复合材料

尺寸可变

2017

据艺术家自己介绍:这件作品原本的概念是一座“桥”,桥上的人家和聚落,现场做成的作品又有了新的变化,他用“大自然”里的材质画了一幅《借物岛》,不同的物件,无论来自手作,抑或来自工业机器,或着来自自然环境或生活空间,均能被他创造性的融入一个相互应合、对话的整体中。这些似乎本质上毫无关联的元素,在此时成为符号和音节,融入他行旅笔记中的不同章节。艺术家惯于采取纯然手工的方式,透过身体的劳动和身体的介入,点点滴滴将媒材「缝织」入他自己的世界中;自己所身处的地方便是家。

他的作品风格常排除厚重、稳定的肌理,而以流动、堆栈、反覆刻划及不确定的结构经营出独特的艺术场域。《借物岛》不以批判、再现为主体,取而代之的是安静、韵及充满个人感静的自我观照。在众生喧哗的现时代,益发凸显出方伟文特立独行的温润音声。

4

 

参展艺术家雷蕾:1988年生于北京市西城区,2007~2011年就读于北京印刷学院实验艺术工作室,获学士学位,2014~2017年就读于中央美术学院 实验艺术学院,获硕士学位。现工作生活于北京。

 

参展艺术家雷蕾说自己小时候养的一只小鸟,没养活,埋了,后来长出一棵小草,她到现在都相信那棵小草就是小鸟的养料养出来的,小鸟还没死,只是生命的形式转换了。也许就是这颗种子让她后来走上关注生命变化过程的创作之路,作品《 疒瓦 》,借由天然材料制成的“瓷器”随着38秒的旋转,逐渐从光彩奕奕到自然萎缩塌陷,不可挽留,颜色也随之暗淡的过程,呈现给观众一个生命的旅行过程,以一种形式的“结束”诠释一个新的开始。

她说“瓷器”是自己阐释生命过程中的一位“旅客”。而用天然媒材是为了赋予它一种拟人化的生命形式。选用萝卜作为反应物以达到“瓷器”自然塌陷的效果。将瓷器的文化“精神”符号与瓷器的物质“精品”呈现相结合,用“食品”取代“神品”,体现了生命不可抗力的“生衰”全过程。

疒瓦 -1

雷蕾

30 x 29.5 x 50cm

2017

绵白糖,萝卜,糯米纸,颜色为自然媒材,透明屏展示柜

疒瓦 -2

雷蕾

24 x 22 x 31cm

2017

绵白糖,萝卜,糯米纸,颜色为自然媒材,透明屏展示柜

而全息投影的“拟真花瓶”(虚体)和“拟真花瓶”(实体)之间的转动交替产生的幻化效果。图像的真实和形变异化的实体之间,真和假与虚和实形成对比,双向并行旋转的实体和图像合二为一,形成整体的陈列品质。用一种无声,温和的方式,来表现"激烈"的东西,一种留不住也无法控制的既逝感。这个作品的名字是病字旁的疒,疒也可以是疾,用疒字旁组的字也都可以,表现一种病态萎缩的另类美,影像记录“瓷器”从光鲜亮丽,然后到自然倒塌的全过程,以自然化、拟人化的手法再次引发人们对生命的感怀与思考。

5

 

参展艺术家李鑫宇:1988年生于辽宁,2006年考入中央美术学院,2011年毕业于中央美术学院雕塑系第一工作室。

 

“这肯定是个很有童心的艺术家”有观众看到参展艺术家李鑫宇作品时惊叹。可见艺术家本人的气质已经深深渗透到作品里去了。李鑫宇是一位年轻的艺术家,2011年从中央美术学院雕塑系第一工作室毕业。学生时代一直专注于人物雕塑的他,近两年开始对动物雕塑产生兴趣,最初的创作缘于他养的一只猫和一只狗“喵喵”和“都咪”。他以雕塑记录着这些动物的有趣形态,并把这个过程当作有趣的游戏。第一次见李鑫宇,他就像一个刚玩完游戏带着愉悦心情的邻家大哥哥,逢人就笑着打招呼,腼腆又随和。

养生馆

李鑫宇

35x35x80cm;40x40x45cm;40x40x50cm

40x40x60cm;40x40x65cm;40x40x55cm

2017

铸铜雕塑

相较于之前的作品,《养生馆》更具有故事性和现实意义,成长的过程总会因为经历而发生变化,人如此,动物亦然。压抑,折磨,拘束还是养生?动物园是个充满争议的存在,人们以满足保护动物的所谓责任心,饿了喂食,病了治病,剥夺野生动物的自由,压抑而折磨重复上蹦下跳的动作,直至死亡。如若换做人呢?于是便有了这组《养生馆》,名与实之间意味深远,借此作品讽刺人类自身的社会现状。问及李鑫宇,他的作品为何有这个方向的转变,他羞涩地笑着说:“我想在不断尝试和实验中,做出更丰富的作品来。”

6

 

参展艺术家周代焌:1986出生于台湾新竹,2012毕业于国立台北艺术大学美术系硕士班绘画组,2012获选新人推荐特区(MADE IN TAIWAN)入选。

 

从《全球寂静》系列到2013年发展迄今的《寂静之外》系列的创作之后,此次台湾艺术家周代焌带来的作品《BACK TO》,涵盖了地理及心理上的概念。在地理的概念上,指的是我们从何而来、要到哪去。其场域的概念是具象且固定的。另一方面,从心理的概念上来说,指的是在无法倒流的时间里,人们期待着回到心中所期望的那个地方。其场域的概念是抽象且流动的。艺术家运用上述地理与心理上这两种不同的概念来描绘日常生活的环境,并尝试以视觉展演的方式来阐述场域的真正意义。

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周代焌

95x145cm

2017

亚克力彩、画布

“这些作品极富暗喻性,我们的环境已经被改变,其实是我们没有发现,如果不在意的话,会越来越朝向不好的方向发展,垂落或滑落的画可否会让你联想到环境岌岌可危?”参展艺术家周代焌说。在先前的创作中,艺术家用想象的方式去描绘未发生的灾难场景。福岛核电事件发生后,他将其纳入创作概念中。它并不是虚拟的想象,而是一个已经在真实世界中发生的灾难场景。对艺术家来说,这个事件并非媒体播送的短暂新闻,而是具有持续性且影响深远的重大事件。2017在日本驻村期间,他便延续上述的概念,从本地思考,继续在上述的课题上发掘更深层的意义。